Qu’est-ce qui a déclenché la création de Donovan’s Brain en 1987?

J’ai acheté une guitare en 1984. Je n’en avais pas possédé depuis 1970. J’ai découvert que je pouvais toujours jouer. Jim Kehoe et Colter Lanagan, qui faisaient plus tard partie de Donovan’s Brain, venaient traîner et jammer. Ils sont partis et ont formé un groupe. J’étais occupé à gérer un restaurant que j’avais ouvert. C’est finalement arrivé à un point où j’étais prêt à monter un groupe pour voir si ce serait amusant. En 1987, j’ai organisé la première formation de Brain. Nous avons donné quelques concerts et nous avons acquis une bonne réputation. Je ne voulais pas juste jouer des reprises, alors je me suis retiré pour apprendre à écrire et enregistrer. Je viens de retrouver une pile de cassettes du premier groupe. Répétitions et concerts. Je les écouterai un jour. Pour le moment, je préfère ne pas regarder en arrière.

Donovan’s Brain n’est pas un groupe au sens habituel du terme. Comment décririez-vous votre approche et a-t-elle toujours été ainsi ?

 On dirait que nous sommes un groupe de personnes aléatoires. Il a fallu quelques années pour enfin réunir un groupe de musiciens dévoués. Nous avions quelques sorties à l’époque, il y avait donc une incitation à devenir sérieux. Notre première apparition majeure a eu lieu au Seattle Terrastock en 2000. Nous partagions l’affiche avec de nombreux grands groupes populaires, nous devions donc bien jouer. Nous avons joué et enregistré davantage après cela. Ça s’est défait en 2007 pour plusieurs raisons. Ce fut la dernière fois qu’il y aurait une formation locale, des musiciens de Bozeman.

Après cela, il y a eu une formation plus stable, mais nous vivions partout, de l’Australie à Londres. C’est facile maintenant. Nous avons tous un studio d’enregistrement, donc il s’agissait juste d’échanger des fichiers. Dans le passé, quand j’allais à Londres pour enregistrer, je devais louer un magnétocassette. Ric Parnell venait de Missoula pour enregistrer chez moi. C’est juste une façon de travailler. Tout le monde avait un emploi à temps plein, donc voyager pour enregistrer est difficile et coûteux. Ce sont tous de bons musiciens, donc nous pouvons le faire sonner naturel. Nous avons récemment envisagé de nous retrouver à Seattle pour enregistrer ensemble dans un bon studio. Une fois que nous avons fait le calcul, cela s’est avéré trop cher. Ce serait mieux d’enregistrer ici, mais encore une fois, le voyage est une considération. Donovan’s Brain est un vrai groupe, sérieux, nous le faisons juste pour la joie de faire de la musique. Les disques sortent et nous vendons suffisamment pour continuer.

J’ai lu quelque part que Donovan’s Brain était une réponse à la philosophie « n’importe qui peut monter un groupe » que l’on trouvait dans la scène musicale locale de Bozeman au milieu des années 80 ? Est-ce véridique ? Pouvez-vous m’en dire plus sur la scène musicale de Bozeman ?

J’ai déménagé dans le Montana depuis la Californie en mars 1980. J’avais travaillé à la radio et dans de grands magasins de disques. Cela signifiait que je voyais de la musique et rencontrais des musiciens tout le temps. Ce fut un grand choc culturel de déménager dans une petite ville universitaire du Montana. Les groupes locaux jouaient de la country ou faisaient des reprises. Pas mon style. Au moins, il y avait un bon magasin de disques et une station de radio à l’université. J’ai envisagé d’acheter le magasin, mais finalement, j’ai juste décroché un poste à la station de radio de l’université.

Les étudiants étaient au courant. Il y a eu un moment où il semblait y avoir beaucoup de groupes qui se formaient. Ils jouaient du New Wave ou du Punk. Silkworm venait de Missoula pour jouer. Joel Phelps a déménagé à Bozeman pour essayer de former un nouveau groupe après les avoir quittés. Localement, Steel Pole Bathtub s’est formé des cendres d’un assez bon groupe appelé Panache.

Un moment important fut lorsque des locaux ont organisé un événement de deux jours. Je suppose que plus de 20 groupes ont joué. Certains d’entre eux étaient assez bons. Aucun d’entre eux n’a duré longtemps, ils se regroupaient dans des formations différentes. L’autre jour, j’ai trouvé une boîte de cassettes de concerts que j’ai enregistrés. Certains de ces groupes ont fait des enregistrements corrects, mais peu de choses ont refait surface.

Récemment, il y a eu un documentaire sur toute la scène du Montana de cette époque. Kirk LeClair a fait un travail fantastique en relatant l’époque dans son film «…so good I can’t take it». Ils ont trouvé beaucoup de vidéos et fait de superbes interviews. Steve Albini était l’un des gars de Missoula. Jeff Ament de Pearl Jam était également un acteur majeur. Il y a aussi un album de bande originale compagnon, Without Warning. Malheureusement, le film n’a jamais été distribué, mais je pense qu’il est toujours en streaming.

Ce qui est frappant avec la scène locale, c’est que très peu de gens pouvaient voir au-delà de leur quartier. Pas de vision. Je suppose que c’est bien comme ça. On joue pendant quelques années, puis on passe à autre chose. Si vous voulez continuer, c’est juste le train-train de jouer dans les bars.

Pouvez-vous me nommer quelques tournants dans l’histoire de Donovan’s Brain ?

Dès le départ, j’ai eu l’idée que nous irions plus loin. Jouer dans les environs de Bozeman est une impasse. Obtenir le contrat Magical Jack, puis Get Hip, c’était vers quoi je travaillais. Les membres du groupe local ne pouvaient pas vraiment le comprendre. L’un des gars voulait juste que nous apprenions quarante reprises et que nous fassions des concerts dans des bars en tant que son groupe de soutien. Ces deux premiers contrats sont arrivés juste après que je l’ai viré de mon groupe.

Ensuite, j’ai obtenu le concert Terrastock pour nous. Richard Treece est venu de Londres pour jouer avec nous. C’est là que nous sommes devenus un vrai groupe dans mon esprit. Nous avions l’EP allemand, un single sur Get Hip, un morceau sur le premier Hit The Hay et deux CD sur Get Hip à ce moment-là. C’est un peu plus que de faire une cassette et de la donner à vos amis. Après cela, nous avons fait une tournée avec Roy Loney And The Longshots et Penny Ikinger d’Australie. Nous avons soutenu Penny, ce qui était très amusant et un défi dont nous avions besoin. Il y a deux morceaux de nos répétitions avec Penny sur sa compilation «Travels And Travails». J’ai menacé de sortir la version complète de Donovan’s Brain de son premier album Electra.

Bobby Sutliff et moi avons formé un nouveau groupe en 2009. Ce fut une autre grande étape. Je jouais enfin avec un groupe qui avait tous de l’expérience et avait goûté au succès. C’était maintenant une ligue différente.

Maintenant, les gens ne nous considèrent plus comme un groupe du Montana. C’est juste là où j’habite.

Combien de membres sont entrés et sortis depuis que vous avez fondé le groupe en 1987 ?

Je suppose que cela dépend de la façon dont on compte. Autant que je puisse en juger, au moins quarante-trois personnes ont enregistré sous le nom de Donovan’s Brain. Certains ont juste fait une session lorsqu’ils étaient de passage. Il y a eu deux formations à long terme, le groupe de 2000-2007, Colter Langan, Ron Craighead et Jeff Arntsen, puis 2009-2012 qui comprenait Bobby Sutliff, Ric Parnell, Tom Stevens, Scott Sutherland et moi-même.

Au début, c’était assez fluide, ce qui a augmenté les chiffres. Quand Bobby et moi avons reformé le groupe, nous avions aussi une famille élargie qui travaillait avec nous. Cela incluait Matt Piucci, Tony Miller, Joe et Kris Hughes, Deniz Tek, Jim Dickson, John Goodsall et Peter Holsapple. Ce sont des gens que nous avons choisis pour participer.

Depuis que Joe Adragna («Fire Printing») nous a rejoint, nous avons l’impression que nous trois pouvons tout faire nous-mêmes. Cela dit, Scott McCaughey a contribué aux deux derniers albums. Il a demandé s’il pouvait faire partie du groupe et nous n’allons pas dire non. McCaughey est un vieil ami que je connais depuis 1972. Scott Sutherland le connaît depuis plus de trente ans, et Joe travaille avec lui depuis peut-être 20 ans maintenant.

Ce n’est pas un invité aléatoire. En plus d’être un ami, il a été un mentor pour nous tous.

Nous pourrions à nouveau contacter nos amis proches à l’avenir si nous sentons qu’il y a quelque chose d’unique pour eux à jouer. 

J’essayais de penser à un autre groupe qui a existé comme Donovan’s Brain. Guided By Voices et bien sûr Minus 5. J’aime l’idée d’avoir un groupe compact maintenant. Nous travaillons bien et très rapidement ensemble. Il n’y a pas de projets de sortir jouer en live, donc trois suffisent. Un groupe live devrait avoir six d’entre nous sur scène. Cela a bien fonctionné à Terrastock.

En regardant en arrière, que pensez-vous de votre premier album ?

Je considère «Shambaholic» comme notre premier album. En raison de la nature confuse de nos sorties, il n’est sorti officiellement qu’en 2015. Celui-ci était surtout moi. J’écrivais et enregistrais depuis environ 4 ans lorsque j’ai réalisé qu’il y avait un très bon album dans la montagne de matériel que j’avais enregistré. Il avait tous les éléments de ce que je voulais faire. C’était un peu un opéra psychédélique rock. Dommage qu’il ne soit pas sorti en 1968. J’avais fait une cassette avant cela. Il y avait une chanson dessus que je considère comme la première chanson de Brain. Ce serait «50,000,000 Years Before My Time». Quand j’ai enregistré celle-ci, j’ai su que j’avais capturé ce que j’entendais dans ma tête. L’objectif était alors de continuer à écrire à ce niveau. Shambaholic en fut le résultat.

L’enregistrement original a été fait sur 8 pistes avec une boîte à rythmes et des claviers MIDI. Cela m’a donné un peu plus de matière pour travailler. J’ai sagement transféré toutes ces pistes sur l’ordinateur. Je savais qu’il y aurait un moment où je voudrais terminer les chansons avec un batteur. Ric a fait les parties de batterie entre le travail sur les chansons de Turned Up Later et Heirloom Varieties. Tom Stevens a refait une partie de la basse et Scott Sutherland a chanté un peu. Le tout a été remixé. J’ai ajouté trois titres de la cassette «Butterfly Wheel» au CD. Ceux-ci ont également été remixés. C’est la naissance de Donovan’s Brain.

J’écris parfois sur ma vie. Cet album est un mélange d’une histoire vraie et de rêves. L’histoire vraie était une rupture avec une petite amie de longue date qui a précipité mon déménagement dans le Montana. Quand j’ai terminé l’album en 1994, j’étais confiant dans la validité de ma vision. J’avais juste besoin de trouver d’autres personnes qui se joindraient à moi pour poursuivre cette vision. Ce sont ces chansons qui ont permis à Brain d’obtenir les premiers contrats d’enregistrement. C’est aussi ce que Deniz Tek a entendu et remarqué de ce que je faisais ici à Bozeman. Il était dans le coin à Billings, Montana, à l’époque.

Quel a été l’album le plus difficile et pourquoi ?

 Les premiers albums étaient amusants parce que j’avais trouvé des gens qui pouvaient jouer les chansons. Ça ne ressemblait pas vraiment à un groupe. Quand Tom, Ric et Bobby sont morts, je ne savais pas si c’était la fin. Alors que je terminais «Faith In Failure», j’ai fait l’inventaire de tout le matériel inédit que nous avions. J’aurais pu assembler un autre album, mais ce n’était pas ce que je voulais faire.

Il y avait des chansons qui étaient assez bonnes pour être publiées. J’ai parlé à Scott et il a dit que nous trouverions une solution. Scott McCaughey m’a présenté Joe Adragna en juin 2023. C’était presque trop beau pour être vrai. Je lui ai demandé s’il voulait devenir un partenaire à part entière avec Sutherland et moi. Nous avons terminé Fire Printing très rapidement. Je n’étais toujours pas sûr si nous allions continuer.

Travailler sur «Fire Printing» a été difficile pour moi car nous étions en train de sauver la fin de l’ère précédente et d’essayer de trouver nos marques pour la prochaine phase. Quand nous avons terminé, je pense que nous avons tous été surpris de voir à quel point ça s’est bien passé. Mais ensuite ?

«Insect Accessories», que nous venons de terminer en avril, a été le véritable test. J’ai dû reconnaître qu’il y avait un nouvel équilibre dans le groupe. Scott était incroyablement prolifique. C’était la première fois que je n’avais pas la majorité des crédits d’écriture. Joe est un partenaire très solide. Il a grandement contribué aux nouvelles chansons. Il a toujours une bonne idée. J’ai dû relâcher mon contrôle sur le groupe, ce que j’ai fait volontiers.

Il s’avère que Joe était un fan du travail de Scott avec The Model Rockets. Les deux ont formé un partenariat de travail solide. Finalement, nous avons tous partagé des idées. Il y a eu des résultats surprenants. C’est moi qui ai dû m’adapter. J’ai essayé de fixer une limite au nombre de chansons que nous considérerions pour l’album. Nous avons dépassé cette ligne d’arrivée plusieurs fois. J’ai dit que vingt-quatre c’était largement suffisant, puis nous en avons écrit une de plus. J’avais soumis une idée. Joe l’a prise et l’a complètement réécrite, dans le style que j’avais suggéré, mais en mieux. Dans le passé, je n’aurais peut-être pas été aussi réceptif à l’idée, mais à la fin d’une année chargée, j’étais à l’aise avec Joe qui s’en chargeait. Il a demandé si c’était acceptable que McCaughey écrive les paroles. Eh bien, c’était juste parfait. J’avais détourné les chansons des autres par le passé, donc c’était jeu loyal.

Au début, j’ai dû être un leader autoritaire du groupe. Dans la période intermédiaire, je me considérais comme le facilitateur. Tout le monde avait son mot à dire, mais tout devait finalement passer par moi. C’est la première fois que je me sens comme un membre égal du groupe. Même si nous travaillons à distance, on avait souvent l’impression d’être tous dans la même pièce lors de l’enregistrement et surtout du mixage. Joe a une très bonne oreille pour les mixages finaux. Rien n’était terminé tant qu’il n’avait pas approuvé.

Quel est votre album préféré de Donovan’s Brain et pourquoi ?

Il serait facile de dire le nouveau. Pour être honnête, j’ai une affection particulière pour «Heirloom Varieties», la version LP. Nous avons juste atteint un point idéal sur celui-ci. Bobby écrivait des chansons fantastiques. Scott avait deux superbes chansons dessus et Tom et moi en avons écrit une ensemble. Matt Piucci est venu jouer de la guitare, tout comme Deniz Tek. C’est un album que je recommanderais d’écouter en premier.

Nous avons perdu un peu de cette magie après celui-ci. Bobby a décidé qu’il voulait faire un album solo, ce que je l’ai encouragé à faire. Il n’était tout simplement pas aussi prolifique à ce moment-là, donc toute chanson qu’il terminait, il la gardait pour lui. Brain a reçu quelques morceaux pour lesquels il ne trouvait pas de paroles, et quelques petites idées qu’il n’a pas utilisées. Il était là, mais sans chanter.

Chaque album que nous avons fait a sa propre ambiance. Notre style est suffisamment large pour que nous puissions explorer différentes directions, et toujours sonner comme Donovan’s Brain. Je pense que nous avons été constants depuis le début. Bien sûr, nous espérons nous améliorer à chaque nouvelle sortie. Si on me poussait, je pourrais dire qu’il y en a quelques-uns qui, je pense, auraient pu être meilleurs. Dans un cas, c’était le mixage et la sélection finale des chansons. Un autre n’était tout simplement pas aussi amusant à faire. Les deux sont corrects. Le premier pourrait être notre album le plus vendu.

Certains de vos contributeurs vivent loin de votre studio, Gods Little Ear Acre Studio, à Bozeman, Montana. Comment travaillez-vous et écrivez-vous des chansons ensemble ?

 Nous avons tous une sorte d’installation d’enregistrement. J’ai le plus grand espace de studio. Nous pouvons y enregistrer des groupes entiers. C’est facile d’échanger des fichiers musicaux. Nous n’avons pas besoin du même logiciel, ce sont tous des fichiers WAV que nous échangeons. Il y a un protocole pour s’assurer que tout s’aligne sur l’ordinateur de chacun. Nous avons rencontré des problèmes occasionnels, mais nous pouvons toujours résoudre tous les problèmes.

Nous présentons tous nos idées au groupe. Parfois, c’est une démo basique, parfois une chanson entièrement réalisée. Nous discutons de ce que nous pensons devoir faire et nous procédons. Scott et moi avons utilisé des boucles de batterie pour le rythme. Joe remplace ça par de la batterie live. Ensuite, nous rediscutons de ce qui peut être ajouté. Généralement, les idées sont proches de l’arrangement final. Il y a eu des cas où des changements sont suggérés. Avec des batteurs aussi bons que Ric Parnell et Joe Adragna, il vaut mieux les laisser gérer la batterie. Les chansons ont pris des directions majeures lorsque la batterie a été ajoutée. J’ai fait des montages pour ajouter une section solo de guitare ou couper une partie que je trouvais trop longue.

Il y a une chanson («One Thin Soul») sur le nouvel album que Scott a soumise avec quelques réserves. Je lui ai demandé si cela lui dérangerait que je reconstruise le morceau. J’ai eu l’idée de le réduire aux voix et de recommencer. Finalement, j’ai utilisé quelques parties de son piano original, mais le reste était nouveau. Je pensais à Peter Gabriel ou Laurie Anderson quand j’ai fait la nouvelle partie instrumentale pour «One Thin Soul». Ça a bien marché. Ce n’est pas quelque chose que j’avais fait avant.

Comment développez-vous les idées de chansons ? Les paroles ou la musique d’abord ?

Je ne peux pas parler pour les autres. Bobby Sutliff m’a dit qu’il avait besoin d’avoir les paroles et la musique en même temps, entièrement formées. Il ne pouvait pas revenir sur un morceau de musique et écrire des paroles après coup. Les chansons qu’il a contribuées à «Sandbox Shadows» et «Faith In Failure» étaient des morceaux qu’il avait mis de côté. En fait, il m’a envoyé la musique pour «Faith In Failure» par accident. C’était juste une démo de 90 secondes. J’ai arrangé les parties et créé la chanson complète.

Je saisis juste les idées et j’y vais. Certaines chansons viennent des rêves. Généralement les paroles, mais je me suis réveillé avec la chanson complète dans la tête. Je garde un carnet et je tape les idées dans mon téléphone. J’ai souvent une intuition pour la musique, peut-être un riff ou une ambiance. Certaines musiques sortent juste en étant assis au piano.

Mon ordinateur contient des fichiers de chansons avec des noms cryptiques comme Fast Piano. Je parcours ces idées à la recherche de quelque chose que je peux développer. Par exemple, il y a un court extrait de musique de film sur le coffret Convolutions appelé «Big Skies». Juste un thème au piano. En travaillant sur «Two Suns Two Shadows», j’ai trouvé la phrase «I’m a rice paper kite.». J’ai réalisé que c’était en mesure 3/4, tout comme le morceau de piano. Pour la section centrale, qui serait en 4/4, je me suis juste assis au piano, enregistrant ce que je chantais et jouais spontanément.

La chanson «Stinging» sur «Fire Printing» était l’une des chansons récupérées. J’avais écrit une musique sur laquelle Ric avait joué. Après l’avoir réécoutée plus tard, je ne parvenais pas à l’intégrer dans une chanson. Pendant cette période après la mort de Bobby, j’y suis retourné pour trouver ce qui était bon et ce qui ne l’était pas. Je l’ai découpée comme un puzzle et réarrangée. Ce soir-là, en allant dîner, j’ai dit à ma femme qu’il me fallait juste un mot ou une phrase pour générer les paroles. Pendant notre promenade, j’ai trouvé «Stinging». Pendant le dîner, j’ai développé ça et écrit toute la chanson en une heure. Ma femme était impressionnée. Juste ce matin, il y a quelques minutes, alors que je me réveillais. J’ai eu une idée. La partie de piano et la mélodie vocale. J’ai des mots que j’ai écrits l’autre jour qui correspondent à cette idée. J’ai même le rythme de batterie dans la tête.

Il y a des morceaux que je n’ai aucun souvenir d’avoir écrits ou enregistrés. Je ne sais pas d’où vient l’idée. C’est comme si je n’étais pas là. Ce sont parfois les meilleurs. La muse frappe et je ne suis que le conduit. On ne peut pas remettre en question ces moments. Tom Waits a dit quelque chose à ce sujet. Quand la muse vous donne une idée, mieux vaut la saisir. J’ai fait l’inverse, entrer en studio sans rien et juste taper sur le piano ou la guitare jusqu’à ce que quelque chose sorte. Style usine à chansons du Brill Building.

Qu’est-ce qui vous inspire pour vos paroles ?

Les mots viennent de différents endroits. Peut-être quelque chose que j’ai entendu, dans la rue ou peut-être un film. «Make A Noise Quietly» vient d’un film de Laurel et Hardy. «Brighten Up Shop» venait d’une enseigne que j’ai vue en nous promenant dans les ruelles de Great Falls le lendemain matin d’une fête. «Never Arriving» sur le nouvel album est le dialogue d’un rêve que j’ai fait. C’était très spécifique. Une histoire d’espionnage de la guerre froide avec Joseph Cotton.

Jeff Tweedy a écrit un très bon petit livre sur la façon d’écrire une chanson. Il a dit juste ça : attrapez les mots que vous entendez ou lisez. Pete Brown, le poète qui a écrit les paroles pour Cream, m’a dit que ce ne sont pas nécessairement les mots, mais le son des mots qui compte. Après qu’il m’ait dit ça, j’ai écrit Central Services. C’est juste de l’allitération. Je l’ai même mentionné dans les paroles «It’s a customary cutthroat, confuses the poet again.».

Quand j’étais enfant, l’un de mes mécanismes de défense était un esprit vif. Je pouvais penser vite et trouver une bonne blague. Je pense que les gars de Man m’aimaient bien parce que je pouvais tenir tête à leurs joutes verbales parfois brutales. J’utilise cette compétence quand j’écris des paroles.

Je peux parfois écrire des chansons narratives linéaires. Je ne serai jamais un conteur comme John Prine ou Bruce Springsteen.

La politique affecte-t-elle vos paroles ?

Oh oui. «Faith In Failure», «Ministry Of False Alarms» pour n’en nommer que deux. On ne peut pas s’empêcher de réagir à ce qui se passe dans le monde. La chanson de Joe «Maybe They Couldn’t Fly» parle de la pollution environnementale.

La chanson prog que j’ai écrite pour le nouvel album «Alien Infusion» contient un commentaire subtil mais fort sur un certain président que le monde subit en ce moment. Les extraterrestres nous sauvent, et ne demandent pas de remerciements.

Y a-t-il un objectif que vous n’avez pas atteint avec Donovan’s Brain ? Si oui, lequel ? 

Je pourrais me plaindre que nous devrions vendre plus de disques. Le fait que les gens achètent notre musique, jouent nos disques à la radio et chroniquent nos disques est très satisfaisant, donc je suppose que j’ai atteint les plus grands objectifs. Quand je parle à certains de mes amis, je constate que nous luttons tous pour atteindre ce point de basculement des ventes. Je travaille juste avec des attentes réalistes. À ce stade, le groupe est autosuffisant. Nous vendons suffisamment pour financer le prochain.

L’objectif était de faire de bons disques et de les sortir. Ils sont là, dans l’univers musical. Les autres membres du groupe sont heureux que j’aie le temps et les ressources pour faire le travail requis. Ne vous y trompez pas, c’est du travail. Trop souvent, je vois des groupes enregistrer un album mais ne pas savoir quoi faire ensuite. Il faut le sortir et montrer aux gens que vous prenez votre art au sérieux. J’ai vu des groupes sortir quelque chose, puis se séparer la semaine suivante parce qu’ils ne sont pas devenus célèbres du jour au lendemain.

Citez-moi vos 5 meilleurs groupes de tous les temps ? De quelle manière vous ont-ils influencé / vous influencent-ils ? 

Il y en a tellement plus que cinq, mais voilà…

 Beach Boys – Ils sont arrivés à peu près au moment où je commençais à faire attention à ce qui se passait. Je crois que j’ai entendu des filles à l’école parler des Four Seasons et des Beach Boys. Mon frère aîné s’intéressait aussi à la musique. Il est allé voir les Beach Boys à l’été 1964. Ils sont revenus cet automne-là, alors j’ai pris des billets et je suis allé les voir. Mon premier concert de toujours. C’était tout ce qu’un concert peut être. Excitant et bruyant.

Je me souviens avoir regardé les albums et vu que Brian Wilson produisait après les deux premiers. Je savais que c’était quelque chose d’important. Leur développement a été si rapide. J’ai perdu intérêt pendant un moment. On avait entendu dire qu’un nouvel album génial allait sortir, mais ensuite ils ont sorti cet affreux album Party. J’ai un peu manqué «Pet Sounds», mais ensuite «Good Vibrations» est sorti et puis «Heroes And Villains». J’étais de retour avec eux après cela. Je pouvais entendre à quel point la musique était complexe. Et les voix étaient tout simplement incroyables.

Il y a eu quelques touches d’influence des Beach Boys sur nos disques. Bobby Sutliff était un grand fan et aimait faire les harmonies. Il y a quelques chansons très « Beach Boys-like » sur le nouvel album.

The Yardbirds – À cette époque, je n’écoutais pas les Beach Boys, j’étais branché sur les Yardbirds. Ils faisaient quelque chose qu’aucun autre groupe ne faisait. Ils sont passés rapidement du blues, et ont emmené le single de trois minutes dans une autre dimension. Je suis allé les voir en 1966, mais Jeff Beck avait quitté le navire quelques jours avant. C’était le troisième concert où Jimmy Page passait à la guitare. Je n’avais jamais entendu personne jouer comme ça avant. J’étais déçu de ne pas voir Beck, mais j’ai vu quelque chose d’aussi bon. C’est dommage qu’ils n’aient pas fait beaucoup de disques. J’ai vu la dernière tournée des Yardbirds en 1968 au Fillmore. C’était un avant-goût de ce que Page allait faire avec Led Zep. En 1968, j’ai vu Hendrix, Cream. Jeff Beck, Yardbirds, The Who, Buddy Guy. Jeff Beck encore, puis en janvier 1969 Led Zeppelin. Toute la scène musicale a changé cette année-là.

The Who – Être fan de The Who aux États-Unis au début était difficile. Nous avions entendu «I Can’t Explain» à la radio et avions été époustouflés. L’album est sorti, mais «Can’t Explain» n’y figurait pas. Retrouver une copie du single n’était pas facile. Finalement, nous avons envoyé une commande en Angleterre pour obtenir ces premiers singles. The Who est apparu à la télévision américaine jouant en live au Richmond Jazz Fest. L’année suivante, nous les avons vus jouer et le film Monterey Pop est sorti. C’était quelque chose qu’il fallait voir. Les voir de près au Fillmore West en 1968 et 69 a été inoubliable. Je dois dire qu’ils étaient le meilleur groupe que j’aie jamais vu.

J’ai écrit une chanson pour «Eclipse And Debris» intitulée «Moon Shines», à propos de Keith Moon. Notre batteur de l’époque n’avait aucune idée. Nous avons dû répéter pendant une semaine pour qu’il la fasse correctement une seule fois. Puis j’ai demandé à Ken Whaley et Richard Treece de jouer sur le morceau. Ils savaient tous deux quoi faire. J’ai essayé de faire chanter Jess Roden, mais il n’avait pas le temps le jour où nous étions en studio. Il a un vrai lien avec The Who, car il a chanté sur «Magic Bus».

Beaucoup de choses que je fais avec les synthés sont influencées par Pete. Notre façon d’enregistrer, faire des démos puis y ajouter des éléments, c’est ce que The Who a fait. Ils étaient uniques. Heureusement, il y a beaucoup de films et d’enregistrements live. Il fallait être là.

Guided By Voices – GbV s’inspire beaucoup de The Who et d’autres. Pollard est un excellent auteur et peut faire de super disques, que ce soit ses enregistrements lo-fi sur 4 pistes ou avec un groupe en studio. Ils sont très amusants en live. Je les ai découverts en même temps que j’enregistrais «Shambaholic». J’étais fan de Green Pajamas et Bevis Frond à la même époque. J’ai été inspiré par tous leurs efforts de bricolage (DIY). Il est difficile de croire que Pollard a sorti autant de musique et a généralement maintenu un très haut niveau. Je suis triste d’apprendre que le groupe s’est probablement séparé pour de bon, et que les tournées sont terminées. Quand les gens commentent le nombre de disques que nous sortons, je leur indique GbV et je leur dis que nous ne sommes pas tout à fait aussi prolifiques.

Beatles – Eh bien, comment ne pas être influencé par les Beatles ? Ils ont tout fait. Je connais quelques détracteurs des Beatles ; je ne comprends pas ça. Ils ont appris leur métier en travaillant très dur. Cet environnement n’existe plus. Maintenant, ce sont tous des enfants de «School Of Rock». Bien sûr, ils peuvent jouer très bien, mais ils connaissent juste les notes, ils n’ont pas d’âme, mec. Ces enfants ne joueront jamais 8 heures par nuit, sept nuits par semaine.

Dave Walker, qui a travaillé avec nous pendant un certain temps, m’a raconté avoir vu les Beatles pour la première fois. Il a dit que le public avait arrêté de danser et était juste monté les regarder. Il a dit n’avoir jamais vu ça. Il était sûr qu’ils étaient si bons.

Quels groupes devraient figurer sur un album hommage à Donovan’s Brain ?

 The Nomads ont enregistré une de mes chansons, donc ils seraient sur la liste.

Minus 5 – Scott en ferait quelque chose d’étrange, ce qui serait intéressant.

Guided By Voices – Nous avons enregistré une de leurs chansons que Robert Pollard a aimée. Il sait que Donovan’s Brain vient du Montana, bien que je ne pense pas qu’il nous ait jamais entendus. My Baby sur Two Suns Two Shadows a été inspiré par GbV.

Procol Harum – Laissez-moi vous raconter une histoire… La démo de Bobby Sutliff pour la chanson Telegraph Ave avait l’orgue en premier plan. Je l’ai aimée et j’ai dit à ma femme, ce serait parfait si nous étions Procol Harum. Dès que j’ai dit ça, je me suis arrêté net. Le lendemain matin, je me suis réveillé avec la première ligne sur l’homme des poussières cherchant la toison d’or perdue. Pura Keith Reid. Je me suis assis au piano et c’est venu tout seul. Deniz Tek a fait une approximation honnête de Robin Trower. Malheureusement, Gary Brooker n’est plus parmi nous.

Paul McCartney – J’ai écrit la chanson «Brighten Up Shop» et j’ai essayé de l’enregistrer dans le style de The Idle Race. Si Dave Walker jouait encore avec nous, il aurait pu la chanter comme Jeff Lynne. J’ai décidé de revenir en arrière et de la faire comme une chanson de Macca. Il était évidemment l’inspiration de Jeff Lynne. Elle a beaucoup de sonorités Wings, la partie synthé est pure Linda McC. C’est l’une de mes chansons préférées de Brain.

Green Pajamas – J’adorerais entendre Jeff Kelly chanter une de nos chansons. Je suis sûr qu’il en trouverait une qui a été influencée par les Pajamas. Ma chanson «Biscuit Tin» est une sorte de chanson narrative à la Jeff Kelly.

Pouvez-vous me raconter l’histoire derrière l’album de bande originale de film «Chiêm Bao Thấy Bậu» (2022) ?

C’est une histoire tortueuse. J’ai fait quelques musiques de film, ce que j’aime beaucoup. Sutherland a trouvé «Holding My Own» pendant que nous enregistrions «Faith In Failure». J’ai dit à Scott que cela me rappelait une des chansons de film de Pink Floyd de «Obscured By Clouds». Il a été d’accord. Nous avions assez de chansons pour Faith, donc elle a été mise de côté.

Fin 2021, j’ai reçu un message d’une amie au Vietnam. Elle est fan de Brain. Apparemment, elle a rencontré une expatriée qui avait déménagé de Paris à Saigon. Cette femme était une artiste. Mon amie lui a fait écouter de la musique de Brain. Cette femme s’est retrouvée dans un groupe d’artistes avant-gardistes là-bas. Ce type, Tam, faisait des films de propagande pour le gouvernement, mais à côté, il faisait ces courts-métrages artistiques.

Il travaillait sur une idée de long métrage. Il avait écrit un scénario et avait suscité un certain intérêt. Il a entendu notre musique et l’a aimée. J’ai reçu un synopsis du scénario. Il parlait d’un couple qui ne pouvait se rencontrer que dans leurs rêves. Ils faisaient le même rêve intense. Le personnage masculin était un peintre. Il a fait le portrait de la femme au fil des ans. Ajoutant des fragments de ces images de rêve fugaces. La femme tenait simplement un journal de rêves. Ils cherchaient tous deux des indices dans les rêves pour essayer de se trouver. Les rêves sont si intenses qu’ils savent que l’autre existe vraiment. Ça se termine avec la femme voyant ce portrait lors d’un vernissage. Elle est beaucoup plus âgée maintenant que la femme sur le tableau, mais elle porte les mêmes boucles d’oreilles… Matière cérébrale.

J’ai eu des nouvelles par l’intermédiaire de mon amie demandant de la musique qu’ils pourraient utiliser. J’avais du matériel restant de «Sandbox Shadows», quelques chansons de Scott. «Des Formes Qui Changent Lentement» est un long morceau de synthé que j’avais fait. C’était une tentative de capturer une expérience hors du corps très étrange que j’ai vécue à l’époque. Ce n’était pas censé être un titre de Brain.

Quand Tom Stevens est mort, je l’ai appris au milieu de la nuit. Je me suis levé ce matin-là et j’ai écrit une pièce au piano pour lui. J’ai demandé à Bobby de jouer du blues à la Peter Green par-dessus pour le film. C’était un an après la mort de Tom. Ce serait la toute dernière chose que Bobby a enregistrée. Kris a dit qu’elle pourrait écrire des paroles. Donc, j’ai fait deux versions, l’instrumentale «Story In A Story» et la version vocale «I Would Not».

 «Cultured Memory» ce sont les changements d’accords de «Faith In Failure» réarrangés dans le style de Neu ! Tout cela a été négocié par personnes interposées. Nous avons reçu de l’argent pour masteriser les enregistrements que nous avons terminés en quelques semaines, au milieu des sessions de Faith In Failure. Puis plus rien. Quelque chose s’est passé. Notre contact expatrié a disparu. Le mieux que nous ayons pu apprendre est que M. Tam a obtenu de l’argent de ses investisseurs, a engagé les acteurs, puis est parti dans une beuverie avec l’argent qu’il avait reçu. Fin du film. C’est dommage car cela semblait être une si bonne idée. Nous avons tiré un album inattendu de cette expérience, mais nous avons été très déçus. Mon amie s’est sentie mal car elle pensait nous aider à faire partie de quelque chose qui semblait bien sur le papier. Aucun ressentiment. J’ai juste continué.

Je suis souvent perplexe devant vos pochettes de CD (par exemple, le lapin sur «Faith In Failure»). Quelle est votre approche ?

L’art des albums est très important. Pensez à toutes les superbes pochettes d’albums qui sont devenues aussi importantes que la musique. J’ai été le directeur artistique ou l’artiste pour toutes nos pochettes. Je prends des photos tout le temps, à la recherche de quelque chose de saisissant que je pourrais utiliser pour une pochette.

Certaines images sont liées à l’album, d’autres sont simplement des images que je pense qu’elles fonctionneraient. Le lapin de verre hérissé sur «Faith In Failure» est censé représenter les mutations causées par la pollution toxique de notre planète. La chanson «Faith In Failure» parle de personnes acceptant les mensonges de politiciens corrompus. Il y a quelques autres indices sur la pochette.

Le collage sur la pochette de «Sandbox Shadows» est censé capturer une période difficile de ma vie. J’ai dû prendre soin de ma santé mentale. Le bac à sable était dans le bureau de mon thérapeute. Felix le Chat était mon animal totem, il m’a aidé à voir mon état d’esprit ce jour-là. Les deux autres figures sont le Bouddha et le gorille dans la pièce. Ce qui ne peut pas être ignoré. Il y a une affiche dans la boîte, un côté représente les escaliers vers l’inconnu. L’autre côté est l’île dans le vide. L’île est une photo de Yellowstone, un tapis microbien dans une zone de geysers. Les étoiles sont un projet artistique dans une galerie de notre quartier. Si vous regardez la boîte dans laquelle les CD sont arrivés, le vide est aussi en haut et en bas. On peut voir à travers. Encore une fois, mon état d’esprit à l’époque.

«Turned Up Later» est l’une de mes préférées. Ce titre vient de quelque chose que Bobby m’a dit après son accident de voiture. Il voulait dire que la voix de chœur devait être plus forte. La photo de devant est aussi de Yellowstone. Quelque chose que j’ai vu lors d’une randonnée. Sur la version LP, la photo du dos est une photo prise par ma femme dans le Montana. La mante religieuse se tient sur un boulon qui fait partie d’un réservoir d’eau. Sur le CD, ce sont des libellules rouges également de Yellowstone. L’image sur «Fire Printing» provient d’une ancienne pochette de disque 78 tours RCA. Le Magic Brain était un changeur de disques élaboré pour les 78 tours qui lisait les deux côtés. Le titre de l’album vient d’un rêve. On m’a dit «C’est de l’impression à feu, personne ne fait plus ça.». Je ne voulais pas utiliser ce titre, mais il m’est resté en tête. Pareil pour l’image «Magic Brain». Je n’ai décidé de l’utiliser qu’à la dernière minute.

Le nouvel album, l’image de couverture et le titre «Insect Accessories» proviennent d’une exposition que nous avons vue l’automne dernier à Minneapolis, au MIA. Cette armure de samouraï était magnifique. Des gens élevaient des grillons pour leur musique. Ils ont trouvé comment améliorer le chant du grillon en attachant de l’or ou du bronze aux grillons. Accessoires d’insectes. Vrai.

Vous pouvez voir le motif. Les pochettes sont censées vous faire vous demander quelle est l’image et à quoi la musique à l’intérieur pourrait ressembler. C’est une œuvre d’art complète.

Qu’est-ce qui vous a aidé à faire face à la perte de Bobby Sutliff (2022) et Ric Parnell (2022) ?

Tom Stevens est mort de manière inattendue l’année précédente. Je lui avais juste parlé le lundi. Il avait accepté de travailler sur quatre chansons pour «Sandbox Shadows». Ce samedi-là, il est mort à son bureau en attendant le dîner. Que faites-vous ?

Ric Parnell n’a jamais été en bonne santé tant que je l’ai connu. Il avait profité de tous les excès du rock and roll, excessivement. C’était un alcoolique fonctionnel. Après un épisode, j’ai été clair, il devait faire attention à sa consommation quand il venait enregistrer. Il avait réduit, mais une fois payé et rentré chez lui, il ne faisait pas si attention. Les deux dernières fois qu’il est venu, nous étions très inquiets. Il était très déprimé ainsi que frêle. Honnêtement, j’avais peur qu’il ne nous lâche. Il avait été à l’hôpital quelques fois. Malheureusement, il n’était pas intéressé à essayer d’améliorer sa santé ou son style de vie. Quand nous avons appris qu’il était en soins palliatifs, j’ai su que c’étaient ses derniers jours. Il avait un ami à Missoula qui a aidé à rendre ces derniers jours confortables. La mort de Bobby fut un choc. Nous restions en contact régulièrement. Il y a eu quelques semaines où je n’ai pas eu de nouvelles de lui et j’ai appelé pour prendre des nouvelles. Il a dit qu’il avait eu quelques problèmes de santé, mais qu’il ne pensait pas que ce soit grave. J’ai rappelé, et je ne pouvais pas le joindre au téléphone. Deux jours plus tard, sa femme a appelé et a dit qu’il avait été diagnostiqué d’un cancer de stade quatre. Il est parti en deux semaines. Ce fut difficile à accepter. Il avait survécu à un terrible accident de voiture et à des problèmes personnels. Il était enfin vraiment heureux.

La première chose que j’ai faite fut de m’envoler pour l’Ohio pour enterrer mon ami. J’ai rencontré Tim Lee et John Thomas, deux des meilleurs amis de Bob. Nous avons fait de notre mieux. Raconter des histoires et nous soutenir mutuellement.

De retour à la maison, je me suis plongé dans la musique. C’est la seule chose qui avait du sens pour moi. J’ai eu de bonnes conversations avec mon thérapeute et j’ai contemplé la vie et la mort. Ce fut plusieurs mois de travail pour essayer de comprendre la perte de bons amis, la moitié du groupe. Au printemps 2023, j’ai écrit les paroles de Hey Bobby !. Je les ai partagées avec mon ami Scott McCaughey. Il a proposé d’aider à finir la chanson, ce qu’il a fait. Cela a ensuite conduit Joe Adragna à travailler sur la chanson, puis à rejoindre le groupe. Je pense que cela s’appelle l’évolution. C’est aussi la chance du Brain.

Peu de temps après, Scott Sutherland a perdu un bon ami et partenaire musical dans le groupe Llama. Il a écrit Stay Strong à propos de Jim Hunnicutt. J’ai écrit Echo Of Apology, une chanson sur la mortalité. La peur de mourir seul et d’être oublié. Cette émotion donne à l’album «Fire Printing» une ambiance très sombre. Ce n’était pas prévu, c’est juste là où Scott et moi en étions. On fait ça, on pleure et on jure contre les dieux quand ces choses arrivent. En vieillissant, perdre des amis est inévitable.

Comment sonnerait un album solo de Ron Sanchez par rapport à Donovan’s Brain ?

Je suppose que vous pourriez dire que «Shambaholic» est un album solo. Il n’y avait pas de groupe à ce moment-là. Je l’ai juste fait avec un peu d’aide d’amis. Donc, cela pourrait juste sonner comme Donovan’s Brain. Je pense que si je faisais un album solo maintenant, il sonnerait comme Harmonia ou Neu ! C’est ce que je fais quand j’ai du temps libre. Un jour, Armchair Explorers sortira. J’ai beaucoup de matériel pour ça. Il n’y a juste pas de créneau dans le programme de Brain pour trouver le temps de le sortir.

Travailler avec quel musicien a été le plus grand honneur pour vous ?

Richard Treece et moi avons parlé pendant quelques années avant qu’il ne puisse enfin enregistrer avec nous. Jouer en live avec lui fut un immense frisson. Il est très bon. Être à égalité avec lui devant un public averti était à la fois effrayant et excitant. Je pense que nous avons bien réussi. C’était un grand événement pour lui de jouer aux États-Unis. Il n’avait joué que lors d’une fête lors d’une visite précédente. Sa sœur m’a dit qu’il pensait que c’était le meilleur moment de sa vie. Je suis content d’avoir eu le bon sens d’enregistrer nos répétitions pour qu’il y ait un bon document de ce moment. J’ai récemment trouvé quelques cassettes des répétitions avec quelques chansons supplémentaires que nous avions essayées. La surprise fut de trouver un jam de dix minutes et demie. Je n’en avais aucun souvenir. Ça m’a époustouflé. Dans la foulée, je dois dire que travailler avec Malcolm Morley et Ken Whaley, également de Help Yourself, fut très important. Ce sont mes héros. Juste s’asseoir et groover fut un pur plaisir. Richard, je l’ai bien connu. Il a vécu ici pendant un mois. Je ne pense pas qu’il voulait rentrer chez lui.

Apparemment, vous avez beaucoup de chansons et d’idées de chansons inachevées. Y a-t-il une chanson inachevée que vous n’arrivez pas à terminer, quoi que vous fassiez ?

Il y a quelques choses encore mises de côté. Je les ai revues récemment. Il y en avait deux qui, je pensais, avaient un avenir. Pour l’une d’elles, j’ai enregistré un nouveau morceau et il sera sur le prochain album. J’ai juste eu besoin d’essayer une approche légèrement différente. Il n’y a rien de mal avec l’original sur lequel Ric a joué. Il y en avait une autre qui pourrait refaire surface.

Il y en a encore une mise de côté qui traîne depuis 30 ans. J’ai continué à y travailler depuis. Elle aurait juste dû être sur l’un des albums, mais elle ne s’est jamais intégrée. À un moment donné, elle sortira. Je ne sais pas ce qu’il y a avec celle-là qui ne fonctionne pas ? Peut-être qu’elle existe depuis trop longtemps. Il y en a d’autres qui ne fonctionneront tout simplement pas et sont vouées à l’échec. Il y a quelques instrumentaux que Ric et moi avons faits qui sortiront, probablement sur mon album solo. C’est difficile de ressortir du vieux matériel et de le mettre sur un nouvel album. Nous n’avons jamais manqué de chansons. Les chansons inutilisées ont généralement un élément qui pourrait être recyclé. Nous sommes trop occupés à écrire de nouvelles chansons pour nous soucier beaucoup des rejets. Le coffret «The Convolutions» a rassemblé beaucoup de titres errants qui étaient assez bons pour être entendus.

Y a-t-il encore un musicien avec lequel vous aimeriez travailler ?

Je n’y avais pas pensé. Scott McCaughey a suggéré de faire jouer Peter Buck sur un morceau. Ce serait intéressant, mais pas quelque chose que je pousserais pour que ça arrive. Honnêtement, pour le moment, le groupe actuel est très heureux de se limiter à nous trois.

Comment avez-vous créé Career Records ?

C’était l’idée de Deniz Tek. Den et moi avions tous les deux travaillé avec Get Hip. Den avec Deep Reduction et moi avec Brain. Vers 2002, nous avions trois albums prêts à sortir. Donovan’s Brain «Great Leap Forward», Deniz Tek And The Golden Breed et l’album d’Angie Pepper. J’ai envoyé un message à Get Hip pour les informer que nous étions prêts. Je n’ai eu aucune réponse, ni Deniz. À peu près à cette époque, Den a donné un concert avec nous. Le lendemain matin, il a suggéré de créer un label pour sortir ces albums. C’était la dernière chose que je voulais faire. Nous en avons parlé et avons convenu de poursuivre l’idée. Il a suggéré que nous pourrions peut-être obtenir l’album de Penny Ikinger et j’ai lancé le nom de Roy Loney. Il y avait un album des Longshots qui attendait depuis des années. Nous avons calculé les coûts de pressage des CD et décidé que si Get Hip n’était pas intéressé, ce serait peut-être notre seule option. Nous avons convenu de mettre un peu d’argent de départ et de voir ce qui se passe.

Pourquoi l’avez-vous appelé Career Records ?

C’était mon idée. Comment l’appeler ? J’ai passé en revue les noms de grands labels dans ma tête : Chess, Checker, Columbia, Capitol, Command, et Career m’est venu à l’esprit. Il a plusieurs significations et sonnait bien.

Quels sont les avantages et inconvénients d’un label de disques ? 

Simplement, nous sommes payés. Ni Den ni moi n’avons jamais vu de relevés de Get Hip et n’avons jamais été payés, même si l’on m’a dit que nous avions récupéré nos frais. Quand j’ai annoncé le label, j’ai été contacté par une société de distribution. Cela a scellé l’affaire. Cela signifiait que nos sorties seraient disponibles en magasin. C’est important. Alors, nous avons simplement continué. Je pense que nous avons fini par sortir cinq disques la première année. Le disque de Penny Ikinger a été chroniqué dans Rolling Stone par David Fricke. Nous avons été reconnus.

En réalité, c’est moi qui gère le label. Den était au conseil d’administration. C’est beaucoup de travail. J’ai payé les groupes quand nous étions payés. Nous avions aussi notre propre vente par correspondance. Mais alors, le mauvais côté des affaires a refait surface. La société qui faisait notre distribution n’était pas très bonne pour payer. Les relevés disaient que nous avions vendu beaucoup de disques, mais ils ne nous donnaient pas l’argent dû. Finalement, je leur ai dit que s’ils ne payaient pas selon notre accord, nous devrions mettre fin à l’accord. Ils ont dit d’accord, mais ensuite sont retournés nous ignorer. Cela m’a causé beaucoup de stress. J’étais prêt à abandonner. Finalement, je leur ai dit que nous avions terminé et qu’ils devaient payer tout l’argent sur notre compte. Il a fallu beaucoup de travail pour régler ça. Je ne suis toujours pas sûr que tout l’argent ait été payé.

J’ai contacté quelques sociétés de distribution. Une entreprise que Deniz m’a recommandée de contacter m’a suggéré d’appeler Cobraside. Ils ont répondu en vingt minutes. C’est bien depuis. Je dois promouvoir nos sorties pour que les gens les connaissent et les cherchent. C’est une lutte. La bonne nouvelle, c’est que nous sommes maintenant payés. Bandcamp est une plateforme formidable de nos jours. Les gens lui font confiance et savent qu’ils traitent avec le groupe. C’est la nouvelle façon de vendre notre musique. Beaucoup de ventes sont numériques. Je comprends que certaines personnes ne veulent pas gérer une grande collection de CD ou de disques. Au moins, ils sont prêts à payer pour la musique. Les gens pensent que la musique est gratuite. Pour eux, c’est juste une playlist en streaming.

Posséder le label signifie que je fixe le calendrier des sorties. Je parle à des groupes pour faire leurs disques. Sand Pebbles est un groupe avec lequel je voulais travailler depuis des années. Ils ne sont pas très connus aux États-Unis. Au final, The Antagonist s’en est très bien sorti, compte tenu de tout. J’aimerais avoir la chance de travailler avec plus de groupes aussi bons, mais ils sont rares.

Je fais tout le travail : pressage, promotion, comptabilité de la vente par correspondance et les sites web. C’est du travail, mais c’est le nôtre. Nous avons des fidèles. Il n’y a pas d’autres options. Nous possédons notre art, pas de contrats et ces complications. J’ai su dès le début que je devais posséder notre musique. On entend tellement d’histoires horribles sur des gens qui perdent le contrôle de leurs masters.

Comment avez-vous développé votre nouvel album «Insect Accessories» ? 

Nous avons juste commencé à enregistrer dès que «Fire Printing» a été terminé. Il n’y a jamais de plan. Aucun concept défini au préalable. Au début, je pensais que ce serait un disque plus acoustique. Il y en a un peu. Le titre n’est apparu qu’à l’automne dernier. Je ne l’ai même pas dit au groupe à ce moment-là. Je ne conçois pas d’écrire pour une idée préconçue. Les chansons apparaissent juste. Peut-être qu’une nouvelle chanson est une réaction à la chanson que nous venons d’enregistrer, mais je ne pense pas.

Nous avons écrit tellement de matériel. Je ne pouvais refuser aucune chanson, elles étaient toutes bonnes. C’est moi qui suis le suivi des progrès. Vers la fin de l’année dernière, j’ai travaillé sur les chansons. Certaines avaient besoin de plus de travail avant que je puisse mixer. C’est un peu écrasant de regarder cette longue liste de chansons et de se demander si j’avais la force de toutes les finir. Le coffret contenait 45 chansons, puis Sandbox était un double album, vingt chansons, puis nous avons fait deux albums à la fois, vingt chansons de plus. Fire Printing et Agitated Brain EP comptaient dix-huit chansons. Le nouvel album compte vingt-cinq chansons. Je compte cent vingt-huit chansons sorties au cours des huit dernières années. C’est une charge de travail sérieuse. Plutôt que de m’épuiser à cause de tout ça, j’ai l’impression que nous nous sommes améliorés. Scott et moi, et maintenant Joe, sommes très heureux de ce que nous avons fait. Même pendant que je travaille à la sortie d’Insect Accessories, nous écrivons de nouveau matériel en arrière-plan. La machine ne se repose jamais.

Quelle idée se cache derrière les titres «Asides» & «Besides», «Seasides» & «Decides» ?

Je pense toujours à nos disques au format LP. Un album a des faces. Chaque face a un début et une fin. S’il s’agit d’un double album, alors il y a quatre chansons d’ouverture et quatre chansons de fin. La première et la dernière chanson doivent se démarquer. C’est comme un roman ou un film. Les titres des faces sont l’une de mes blagues linguistiques. Chaque face a une ambiance unique. J’ai écrit le titre de chaque chanson sur une fiche. J’ai ajouté des informations sur la chanson. Je me suis ensuite juste assis et j’ai déterminé l’ordre de lecture pour chaque face.

J’ai programmé tous nos albums. Ils devraient vous emmener en petit voyage. Chaque chanson menant à la suivante, avec une fin forte. Je veux que l’auditeur réfléchisse à ce qu’il vient d’entendre, et qu’il le réécoute. Je suis DJ radio depuis plus de 50 ans. C’est la même idée réalisée sur trois heures. Je ne peux pas l’expliquer, je le fais juste.

Comment avez-vous abordé les 2 CD différemment ?

 Je pense que la chose la plus remarquable est que le disque deux commence par une chanson acoustique calme. Juste guitare et voix. Cela n’aurait pas pu être la première chanson du premier disque, mais après les douze chansons initiales, cela fonctionne comme l’ouverture du deuxième disque. Elle peut être calme, mais c’est une déclaration forte, et elle vous attire à nouveau. Le deuxième disque monte lentement vers une fin bruyante. Vous savez que vous avez atteint la fin.

Dans une interview, j’ai lu que Career Records est axé sur les guitares. Pas de groupes Synth-pop. «One Thin Soul» (par Sutherland) est une chanson Synth-pop !

Ne croyez pas tout ce que je dis ! Nous ne sommes pas OMD ou un groupe de K-Pop. One Thin Soul est plus expérimental que du synth pop. Je pensais à Laurie Anderson quand j’ai enregistré le morceau. Marooned est un peu plus de la pop synthétique. J’ai beaucoup aimé celle-ci et j’y suis entré. Ma première pensée fut qu’elle était dans le style de The Cure. Quand nous avons terminé, j’étais sûr que c’était plus comme Wall Of Voodoo. Joe a joué quelques breaks de batterie à la Copeland. Nous avons tous une connaissance approfondie de la musique des 70 dernières années. C’est un petit jeu de salon que nous jouons. Si vous fouilliez dans notre catalogue, vous trouveriez que ce n’est pas nouveau. La toute première chose que j’ai enregistrée, l’original Perky Pat, est de purs sons synthétiques.

Il y a pas mal de synthés sur le nouvel album. Comment ça se fait ?

Il y a des synthés sur chacun de nos disques. Scott a couvert une grande partie de la guitare sur cet album, donc j’ai trouvé que j’ajoutais des textures de synthé. Ça aurait pu être juste de l’orgue Hammond et du piano, mais j’ai les outils. Je programme les sons, mais je les joue en live. Je suis un grand fan de Pete Townshend. Il a trouvé comment utiliser les synthés dans le rock. Quelque chose de très différent de Wakeman ou Emerson. Vous savez, les types qui se la jouent. Bien sûr, ils savent très bien jouer, mais jouer une partie est une chose différente.

 J’ai beaucoup écouté Terry Riley, Eno, et Ravi Shankar. Les groupes de Krautrock n’utilisaient pas de synthés au début, ils manipulaient des pianos et des orgues. J’expérimente juste avec les instruments que j’ai dans ma collection pour obtenir les sons. C’est amusant et un défi.

Pete Townshend a récemment dit que vous pouvez acheter un synthé logiciel à 30 $ ou un instrument matériel à 6000 $, tant que vous l’utilisez pour écrire une chanson, vous avez dépensé votre argent judicieusement. Les nouveaux instruments sont toujours une source d’inspiration, un synthé ou une nouvelle guitare. Il semble que Scott et moi parvenons à trouver de nouveaux outils régulièrement.

Encore une fois, vous arrivez avec une conception de pochette assez déroutante. Quelle est l’idée derrière cela ?

Je suis excité quand je vois quelque chose qui pourrait fonctionner pour une pochette d’album. L’exposition d’art d’où venait l’armure de samouraï était tout simplement époustouflante. Il n’est pas facile de prendre une bonne photo dans un musée avec des gens tout autour. Ça m’a juste parlé. Les sculptures en pierre sur les disques viennent de Suède. Les crânes viennent du sol d’une église, les runes viennent du Rok. C’est un artefact très célèbre que nous avons vu. Tout cela est équilibré à l’intérieur par la ligne d’horizon et les nuages qui viennent juste de notre trajet en Suède. Les arbres sont une photo prise par la femme de Scott à Washington que j’ai aimée dès que je l’ai vue. Un peu de nature face à de l’art ancien, qui n’est guère primitif. C’est le monde dans lequel nous vivons. Je pense que certains arts sont meilleurs que des photos du groupe. Nous sommes un groupe beau, mais nous n’avons pas à le faire savoir.

J’ai aimé l’idée de la musique de grillon et que les gens s’y intéressaient sérieusement. Si vous regardez attentivement, il y a un insecte sur le dessus de ce casque, et deux autres casques d’insectes sur la couverture arrière représentant les deux disques. Vrai.

«Sea Legs» sonne assez pop pour Donovan’s Brain et a cette introduction familière. Elle ne me vient juste pas à l’esprit où je l’ai entendue auparavant. Était-ce une tentative d’écrire une chanson radio-friendly ?

Ah… J’ai enregistré une démo appelée «Nothing To Say». J’ai dit au groupe que c’était une tentative d’écrire une chanson des Beach Boys dans le style de Carl Wilson. Un peu plus funky, comme de «Friends» ou «Wild Honey». Joe a demandé s’il pouvait essayer quelques idées. «Sea Legs» fut sa deuxième tentative. Je l’ai reprise et j’ai remplacé sa guitare par de l’orgue. Puis j’ai rajouté le pont que j’avais initialement écrit. Ça s’est déplacé vers les Beach Boys du début des années 70 à ce moment-là. Le riff d’introduction provient d’une ancienne chanson de Brian Wilson ou de Booker T.

Il n’y avait pas de plan. C’est juste ce que nous entendions. Beach Boys étaient mon premier groupe préféré. Joe et Scott sont aussi de grands fans. Il y a une autre chanson influencée par les Beach Boys, ou plus précisément par Brian Wilson, sur l’album que Scott a écrite. C’est juste une partie de notre ADN. Ce fut la dernière chanson terminée pour l’album. Scott McCaughey a écrit les paroles, un peu à la Van Dyke Parks. Nous sommes des auteurs-compositeurs, pas coincés dans un seul style. Il y a plein d’autres chansons sur l’album qui pointent vers nos influences. Pas des recréations évidentes et serviles des anciens. Nous parlons le même langage musical et nous aimons jouer avec les auditeurs. Nous ne sommes pas assez doués pour faire des recréations précises de vieux groupes. Ce serait bien si elle passait à la radio, mais ce n’est pas pour ça que nous avons écrit la chanson. Nous ne sommes pas aussi calculés. C’est beaucoup plus difficile d’écrire une chanson pop que d’écrire un morceau lourd. Nous sommes à l’aise dans les deux cas. Je pense que c’est ma chanson préférée de l’album. Une excellente façon de terminer une année de travail.

Qu’est-ce qui a inspiré la chanson «Alien Infusion» ?

Je suis un fan de prog. C’est une de ces chansons qui a été écrite partie par partie, pour raconter l’histoire. Elle a aussi de l’humour. Je ne pourrais jamais écrire une de ces épopées prog prétentieuses sur des sorciers. Beaucoup de prog moderne est devenu une formule que je ne peux pas suivre. Nous ne sommes pas si intelligents.

Il y a deux petites références lyriques à Genesis. Merci Peter Gabriel. C’est juste une histoire. Premièrement, pourquoi les extraterrestres voudraient-ils venir sur notre planète bleue ? Personne ne comprend jamais. Généralement, ils veulent nous tuer ou nous essayons de les tuer. Finalement, les visiteurs voient pourquoi le monde est si foutu et emmènent un homme qui semble être le problème.

Je joue un peu de guitare acoustique et je me suis penché sur le mellotron. Scott joue une guitare incroyable sur ce morceau. Ça l’emmène dans notre propre territoire. J’ai demandé à Joe de la chanter car c’est un meilleur chanteur. Il n’a pas ri de mes paroles. «Leur nourriture est plus rapide que la nôtre ». C’est une de mes chansons de Brain préférées que j’ai écrites.

«They Are Not There» a une sorte d’ambiance méditative. Quelle est l’idée derrière la chanson ?

Vous auriez dû entendre la version originale enregistrée pour «Sandbox Shadows». Il y a beaucoup de bagage derrière cette chanson. «Sandbox Dispatches» et «Two Suns Two Shadows» en sont une exploration profonde. Il y a eu une période dans ma vie où j’avais l’impression que personne n’entendait ce que j’avais à dire. Par conséquent, je ne partageais pas beaucoup ce que j’avais en tête. Puis quand je le faisais, ça dérangeait les gens. Cette chanson explique tout cela, «Écoute, écoute les mots que je veux partager ».

J’ai passé les huit dernières années à essayer de comprendre tout ça. C’est étrange pour quelqu’un qui est DJ radio et ancien propriétaire de restaurant. J’ai passé une grande partie de ma vie à interagir avec les gens en face à face. J’ai juste dû comprendre comment m’exprimer sans éviter ce que j’avais vraiment besoin de dire.

Oui, c’est une chanson très intense de mon point de vue. Encore une fois, Scott s’est vraiment investi pour la partie guitare. L’idée de batterie est entièrement de Joe. Ce n’était pas ce à quoi je m’attendais, mais c’était ce qu’il fallait. Les accords que je joue sont inspirés par certaines choses que fait Jimmy Page. Vous pouvez l’entendre dans le dernier couplet quand la batterie s’arrête. J’ai joué ces accords pendant un mois à la recherche d’indices. La version originale ressemblait davantage à du Led Zep. J’aime mieux cet arrangement.

Je sais que si vous demandiez à Scott, vous découvririez que la plupart de ses chansons proviennent de ses propres émotions complexes. Nous en avons parlé. Ce ne sont pas des chansons calculées à la Brill Building, nous écrivons tous sur nos expériences, bonnes ou mauvaises. C’est un défi de capturer les pensées et les images qui résonnent dans les canyons de mon esprit.

«Day After Anything Goes» fait de son mieux pour sonner comme Neil Young / Crazy Horse. Comment la chanson s’est-elle formée ?

C’est une chanson de Scott. Joe a trouvé la basse distordue. Je n’avais pas pensé à ça comme une chanson de Neil Young, mais je pense que vous avez raison. Je pensais que celle-ci avait un peu le son de Neutral Milk Hotel/E6. Un nouveau son pour nous. Une des chansons qui a rendu le travail sur ce disque passionnant. Scott est un homme brillant. Il a un emploi à temps plein très sérieux. Cet intellect transparaît dans ses chansons. Joe est aussi un gars très intelligent. Cette chanson est un de ces moments sur l’album où eux deux s’alimentent mutuellement et les chansons sont sublimées. Ma chanson, «Layer Skies», était très écrite dans le style de Crazy Horse. Alors voilà.

Votre voix chantée sonne spéciale. Comment avez-vous développé votre style de chant ?

Je ne suis pas un grand chanteur. Scott a grandi en apprenant l’harmonie auprès de sa mère. Je ne suis pas sûr pour Joe, mais il a une voix merveilleuse. Il devrait chanter toutes mes chansons. J’ai juste dû y travailler. J’ai le luxe de pouvoir travailler seul dans mon studio. J’ai appris quelle est ma tessiture, quelles tonalités je peux aborder. Je passe beaucoup de temps sur les voix. D’abord, je dois trouver comment les mots s’intègrent dans la chanson, puis je trouve comment les chanter. Bobby Sutliff était très bon et m’a donné confiance en ma voix. Au fil des ans, j’ai découvert que je réussissais mieux quand j’écrivais au piano. Je trouve la mélodie mieux pour une raison quelconque. Je ne suis pas un grand pianiste, mais mettre les deux ensemble en même temps donne de bons résultats.

C’est juste ce que j’ai. Je me suis habitué à m’entendre. C’était difficile au début. Je me souviens quand j’étais dans la chorale de l’école primaire. La professeure est venue voir chacun d’entre nous pour voir qui pouvait chanter. Elle a fait une grimace quand elle m’a entendu. Ce n’était tout simplement pas une partie de mon éducation.

Quelle fut la première chanson qui vous a vraiment touché et pourquoi ?

Memphis de Chuck Berry. J’avais un cousin aîné qui avait plein de singles. Je m’asseyais dans le placard de leur petite maison et les écoutais tous quand nous leur rendions visite. C’était un nouveau disque quand je l’ai entendu. C’est une chanson dont je pouvais comprendre les paroles. L’histoire semblait réelle.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de devenir musicien ?

Les Beach Boys et les Beatles. Mon frère et moi avons acheté une guitare et une basse et avons appris à jouer. J’avais essayé de jouer dans l’orchestre de l’école, saxophone et clarinette, mais je n’étais pas très bon. Je ne savais pas lire la musique, mais je pouvais jouer à l’oreille.

Quel était votre premier groupe ? Quel type de musique jouiez-vous et avez-vous sorti quelque chose ?

Quelques amis d’école ont décidé de monter un groupe en 1965. Nous jouions la musique de l’époque : Kinks, Them, Stones. La sœur de notre ami a filmé et enregistré notre premier concert lors d’une fête. Je regrette de ne pas savoir où ces enregistrements ont fini. Notre chanteur et l’un des guitaristes étaient plutôt bons. Il y a des photos de versions ultérieures du groupe.

Que signifie la musique pour vous ?

J’ai grandi en entendant de la musique. Mes parents aimaient danser, donc ils avaient des disques. J’écoutais la radio aussi longtemps que je m’en souvienne. C’était juste quelque chose qui touchait une émotion. Je savais juste si c’était une chanson joyeuse ou triste. C’était dans les années 50 et plus tard. Nous pouvions entendre du big band et de la musique country à la radio et à la télévision. C’était juste toujours là. J’ai décidé que je voulais aussi être DJ radio. J’ai réalisé ça à la fin des années 60.

Dans l’interview, vous parlez d’une expérience hors du corps et des rêves comme source d’inspiration. Êtes-vous une personne spirituelle ? Si oui, comment cela se manifeste-t-il ?

Oh, c’est une question difficile. Spirituel dans le sens où je vis dans le monde réel, entouré par la nature. En grandissant en Californie, ma famille allait toujours à la plage ou à la montagne. Je savais que c’étaient des endroits spéciaux. Juste s’asseoir sur une plage, par une journée froide et grise, écouter les sons. Pareil pour voyager dans la Sierra Nevada. Yosemite et d’autres endroits. Maintenant, ici dans le Montana, c’est partout, même en ville. Une fois qu’on s’éloigne un peu, c’est incroyable. J’ai écrit des chansons sur ça.

L’autre chose, c’est que j’ai une vie de rêves très active. Depuis que je suis enfant. Des images vives dont je me souviens encore presque soixante-dix ans plus tard. Je suis devenu doué pour capturer ces images et visions. Généralement, j’aime y aller. Parfois, c’est troublant, mais j’accepte et j’essaie de trouver la source du bruit. Il y a des endroits que je visite régulièrement dans mes rêves. J’écris les choses importantes. Comme je l’ai dit, beaucoup d’idées de chansons viennent directement des rêves. Ce n’est pas vraiment très différent d’être éveillé. Je peux fermer les yeux et aller quelque part dans ma tête. Il y a aussi cet état entre le sommeil et l’éveil. Tard la nuit, si je ne peux pas dormir, je baisse juste le bavardage dans ma tête et je vois où cela me mène. Pareil le matin. Généralement, je sais si j’ai rêvé, mais parfois ce n’est pas facile à dire.

J’en ai parlé à quelques-uns de mes amis musiciens. Ils ont tous deux dit qu’ils ne rêvaient jamais, ou qu’ils ne se souvenaient jamais de leurs rêves, je suppose. Ils sont tous deux envieux.

Cette instance particulière s’est produite pendant une période difficile de ma vie. Je n’étais pas heureux et j’étais incapable de trouver une sortie à cette obscurité. J’étais sur le point de faire un grand changement dans ma vie. En fin de compte, cela n’aurait pas été un bon coup. J’ai réalisé que je m’étais convaincu d’avoir un meilleur endroit où aller. C’était une illusion. Ce n’est pas facile d’accepter que ce que vous pensez être votre réalité ne l’est pas du tout. Comme Alice dans le miroir. C’était très troublant et n’a fait qu’empirer ma condition.

Une nuit, j’écoutais de la musique, et j’ai quitté cette dimension, et je me suis retrouvé dans une autre réalité. Aucune drogue n’a été impliquée. C’était juste mon esprit rompant la connexion avec le monde dans lequel je vivais. Je me suis retrouvé dans une pièce sans limites. Juste blanc, sans source de lumière apparente. Il y avait de la musique, mais elle venait de partout autour de moi. J’étais juste une personne seule assise sur un canapé blanc. C’était tout, mais rien. La chanson que j’ai mentionnée, «Des Formes Qui Changent Lentement» («Slowly Changing Shapes») était le son de cette expérience. Je l’ai remixée pour l’album, il y avait une section qui était très troublante et pas facile à écouter.

Il a fallu longtemps avant que j’aie l’impression que les pièces étaient toutes rassemblées et réassemblées. Il y a eu un autre rêve où j’étais debout sur le rebord, comme chantait Richard Thompson. J’ai sauté, et j’ai fini dans un endroit différent. J’avais changé ma direction et j’étais capable de sortir de ce puits de désespoir et de chercher de l’aide. Comme c’est souvent le cas, je n’ai partagé tout cela avec personne, sauf ceux directement concernés. Aucun d’eux n’était satisfait de mon comportement.

Mon thérapeute a finalement souligné que je n’allais rendre personne heureux si je restais sur cette voie. Ce fut le tournant de ma vie. Cette situation ne s’est pas résolue rapidement, cela a pris du temps et des efforts. Juste au moment où je me sentais à nouveau complet, quelqu’un de mon passé est apparu de manière inattendue. Ce qui aurait pu être une crise dans le passé fut en fait un moment agréable. C’est à ce moment-là que j’ai su que tout allait bien, sinon mieux qu’avant. Beaucoup de cela fait l’objet de chansons. La trilogie de «Sandbox Shadows», «Chiêm bao thấy Bậu», et «Faith In Failure» fait partie de la même pensée élargie. «Shambaholic» est le prologue, et se connecte aux événements ultérieurs. Tout cela est résolu dans ma vie réelle, mais je peux saisir ces émotions pour écrire une chanson. «Not A Home» sur le nouvel album est un peu plus de la musique de Sandbox.

Que signifie le succès pour vous ?

J’ai vu la plupart des grands groupes des années 60 et 70. C’était une époque différente. Je pouvais voir certains groupes devenir énormes, d’autres pas autant. Le succès, c’est juste faire de la bonne musique honnête. Pensez à tous les artistes qui ont été ignorés de leur vivant, et qui sont maintenant reconnus comme de véritables innovateurs.

Je pense que Donovan’s Brain a réussi ce que j’avais l’intention de faire. Nous faisons des disques. Nous avons joué en live, donc je sais que nous pourrions le faire très bien. Le groupe a continué et s’est amélioré. Ces jours-ci, c’est ce que je fais la plupart de mon temps.

Interview menée par Robert Pally.